PINTURAS: 2009

domingo, 8 de febrero de 2009

Algunas de mis paginas

sábado, 7 de febrero de 2009

Pintura barroca Durante el Barroco la pintura adquiere un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas. Siendo la expresión más característica del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.
Cena en Emaús, pintado en 1601 por CaravaggioSe desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, Vanitas, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de asunto religioso. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.
El color, la luz y el movimiento, son los elementos que definen la forma pictórica.
Mientras que la dinámica del espacio, la visión de las escenas en profundidad, la estructuración de las composiciones mediante diagonales y la distribución de manchas de luz y de color, configuran el espacio como algo dinámico, donde contornos se diluyen y las figuras pierden relevancia frente a la unidad de la escena.
Características generales •El dominio técnico absoluto tanto de pintura al óleo sobre lienzo como de la pintura al fresco.
•El predominio del color sobre la línea. Incluso, los efectos de profundidad, perspectiva y volumen se consiguen más con los contrastes de luz y de tonalidades del color que con las líneas nítidas y definidas del dibujo.
•La luz se convierte en un elemento fundamental en la pintura barroca. La luz dibuja o difumina los contornos, define también el ambiente, la atmósfera del cuadro, y matiza los colores. La utilización de la técnica del claroscuro llega a la perfección gracias a muchos pintores del Barroco.
•El movimiento y las composiciones complicadas, con perspectivas insólitas y una distribución asimétrica de los volúmenes.
•El realismo, la imitación de la realidad teorizada por los renacentistas pero sin la idealización y concepción propias del siglo anterior.
•El gusto por perspectivas ilusionistas, sobre todo las vueltas, donde se intenta romper visualmente el espacio arquitectónico real con efectos trompe l’oeil, mediante la representación del cielo y la sugerencia del infinito, recurso pictórico que ya había utilizado Mantegna en la Habitación de los esposos del siglo XV.
Pintura barroca en Italia La pintura italiana de la época trata de romper con las formas del manierismo, ya mal vistas. Los encargados fueron dos bandos bien diferenciados; por un lado el pintor Caravaggio, y por el otro lado los hermanos Carracci (Ludovico, Agostino y Annibale).
El naturalismo, del que Caravaggio es el mejor representante, trata temas de la vida cotidiana, con imágenes tétricas usando efectos de luz. Los claroscuros procuran dar intensidad y viveza. Se rehúyen de los ideales de belleza, mostrando la realidad tal como es, sin artificios. Una buena parte de los pintores de la época cultivaron el Caravaggismo
Por otra parte, los Carracci forman el llamado clasicismo. Los temas a plasmar son inspirados de la cultura greco-latina, con seres mitológicos. Los autores del siglo XVI, como Rafael y Miguel Ángel, son fuertes influencias. El color es suave, al igual que la luz, y se pintan frescos en techos.
Ambas tendencias dejaron secuela y sirvieron para renovar los escenarios pictóricos. La presencia de Rubens, otro genio del barroco, en Génova, se ve reflejada en las obras del lugar.
Pintura barroca en Francia En Francia, el manierismo se ve influenciado por el barroco. La pintura es clasicista y se usa para decorar palacios, con un estilo sobrio y equilibrado. Se pintan retratos y se tratan temas mitológicos.
Su autor más destacado es Nicolas Poussin, quien estuvo claramente influenciado por las corrientes italianas, tras su visita a Roma. Buscó la inspiración en las culturas grecorromanas. Otros artistas fueron Georges de La Tour y Felipe de Champaign.
No obstante, el barroco en Francia fue poco más que una influencia, transformándose después en el rococó.
Pintura barroca en Flandes y Holanda En Flandes domina el panorama la figura de Rubens, desarrollando una pintura aristocrática y religiosa, mientras que en Holanda, la pintura será burguesa, dominando los temas de paisaje, retratos y vida cotidiana, con la figura de Rembrandt como su mejor exponente.
Pintura barroca en España Detalle de Apolo y Marsias de José de Ribera, 1637, Museo N. di San Martino, NápolesEn España, el barroco supone el momento culmen de la actividad pictórica, destacando sobre un magnifico plantel de pintores, la genialidad y maestría de Velázquez, Ribera, Murillo o Zurbarán. El periodo fue conocido como Siglo de Oro, como muestra de la gran cantidad de importantes figuras que trabajaran, a pesar de la crisis económica que sufría el país.
Los pintores españoles usan como inspiración a artistas italianos como Caravaggio y su tenebrismo. La pintura flamenca barroca influye notablemente en España, debido al mandato que se ejerce en la zona, y a la llegada de Rubens al país como pintor de la corte.
Las principales escuelas del arte barroco serán las de Madrid, Sevilla y Valencia.
La temática en España, católica y monárquica, es claramente religiosa. La mayoría de obras fueron encargadas directamente por la iglesia. Por otra parte, muchas pinturas tratan de reyes, nobles y sus guerras, como en el famoso cuadro Las Lanzas, que pintó Velázquez en 1635 para el Palacio del Buen Retiro de Madrid. La mitología y los temas clásicos también serán una constante. Pero es la religión cristiana la que más se repite, sirva como ejemplo El martirio de San Felipe, gran obra de José de Ribera. El realismo de las obras se usará para transmitir al fiel la idea religiosa, por lo que el barroco fue un arma para la iglesia.
Los colores son vivos, con efectos de múltiples focos de luz que crean otras tantas zonas de sombras. El tenebrismo italiano se dejará sentir en todos los pintores españoles. Las figuras no suelen posar, son captadas con un movimiento exagerado para darle fuerza a la escena. Los cuadros al óleo son grandes y habitualmente complejos, con varias figuras y de gestos expresivos.

Pintura asiática antigua

Pintura asiática antigua
Detalle del Friso de los arquerosDe los caldeos, asirios y medo-persas se conocen como obras de pintura las decoraciones de ladrillos vidriados (azulejos) y de relieve y asimismo otras murales sobre estuco. En todas ellas, se divisan figuras de personas, animales, florones y palmetas trazadas con una técnica semejante a sus esculturas o relieves. Son notables entre los mencionados ladrillos esmaltados, el del palacio de Nimrud (siglo VII a. C.) que hoy se halla en el Museo Británico, los del palacio de Sargón en Kórsabad (siglo VIII a. C.) y los célebres Friso de los leones y Friso de los arqueros del palacio de Susa (siglo IV a. C.), hoy en el Museo del Louvre. Se distinguieron también los asirios y persas en la composición de mosaicos para pavimento con labores geométricas y de allí se importó su conocimiento a Europa al igual que de su cerámica esmaltada.
En la India, se decoraban los muros de importantes edificios con frescos de vivos colores representando varias escenas de caza y procesiones en honor de Buda y se animaban con esmalte y policromía las estatuas o relieves de las divinidades. Sólo las figuras de animales y las de Buda se hallan tratadas en la antigua India con cierta imitación del natural de que desdichadamente se ven privadas las representaciones mitológicas.
En China y Japón se cultivó la pintura a la vez que la escritura jeroglífica y de trazos caligráficos, desde varios siglos antes de la era cristiana. Hacia los comienzos de ésta se empezaron a pintar las figuras con bastante sentimiento de realidad aunque se presentan casi siempre con cierto amaneramiento de fórmula y de raza. Se fijan los artistas chinos en el contorno del dibujo y en la perspectiva lineal preocupándoles poco o nada el claroscuro y es característico en ellos el representar en un cuadro todas las variantes de una escena, repitiendo las figuras de los personajes en acción. Son de muy antiguo célebres sus pinturas sobre porcelana (quizás desde los principios de nuestra era) con dibujos típicos de follaje y otras figuras extrañas. La más antigua pintura del Japón, entre las conocidas, data del siglo VII de la era cristiana.

Pintura americana antigua

Pintura americana antigua
Guerrero azteca jaguar, detalle de códiceLa pintura americana antigua tiene carácter puramente decorativo de esculturas, y vasijas de barro. Se halla también decorando manuscritos o códices de papel ágave, de piel o lienzo. Los asuntos que se tratan en estos códices son mitológicos e historias nacionales pero siempre con total desconocimiento de las leyes de perspectiva y con muy escaso estudio del natural, sobre todo, en las proporciones de la figura humana. Es, en suma, un arte que se complace en los colores vivos y chillones y en las figuras de contorno muy parecidas a las esculturas en relieve, y que resulta de gran interés para el estudio de costumbres y trajes nacionales.
La pintura mural más notable se halla en el palacio maya de Chichén Itzá (Yucatán). Entre las figuras que adornan los códices indígenas se distinguen por su relativa perfección las del Lienzo de Tlascala que data de la época de Hernán Cortés, cuyas hazañas refiere.
Otro hito relevante lo constituyen los frescos de Bonampak, pertenecientes a la cultura maya y ubicados en el estado de Chiapas. Además se encuentra arte rupestre en algunas cuevas de la sierra de San Francisco, en el sur de la Baja California.

pinturas

Pintura del Antiguo Egipto
La pintura del Antiguo Egipto fue eminentemente simbólica. La técnica pictórica de los egipcios fue un precedente
de la pintura al fresco o témpera, ya que aglutinaban pigmentos naturales, extraídos de tierras de diferentes
colores, que mezclaban con clara de huevo y disolvían con agua para poder aplicarlo sobre los muros, revestidos
con una capa de tendido "seco" de yeso.
Sus procedimientos fueron el fresco, el temple, el encausto y a veces también el esmalte en joyas, amuletos,
escarabeos, estatuillas de respondientes y azulejos de revestimiento en muros interiores. Sus colores fueron
vivos y variados en cada escena y las más antiguas pinturas que se conocen fueron polícromas, y de colorido
uniforme.
Los egipcios pintaban los bajorrelieves los cuales, por su escasa profundidad, propician la identificación con la
escultura y el arte pictórico. A partir de la dinastía III la pintura sobre los muros de las tumbas sustituye al
bajorrelieve, del cual adopta las principales convenciones.
Características generales [editar]La pintura, como todo el arte del Antiguo Egipto estaba sometida a unos
cánones o reglas muy estrictas, entre las que destacan:
Canon de perfil: en pinturas y bajorrelieves, las figuras se representaban con el rostro, brazos y piernas de
perfil, mientras que el tronco y el ojo estaban dispuestos de frente. Jerarquía: la representación estaba reservada a las figuras de dioses y faraones en las primeras épocas,
posteriormente, también a personajes notables. Las figuras más importantes eran más grandes que las de los
demás personajes, y mostraban actitudes hieráticas, ausencia de expresividad, como signo de respeto. El
tamaño tenía relación directa con su importancia social, así vemos que el faraón es el personaje más alto en las
escenas familiares, donde sus mujeres, hijos, o enemigos son más pequeños; el faraón representado en
presencia de los dioses generalmente es del mismo tamaño. Ausencia de perspectiva: no había profundidad sino yuxtaposición de figuras. El menor tamaño de algunas no
significaba que estuvieran más alejadas, sino que eran menos importantes, simbolizando así su inferioridad. Colores planos: utilizando el color con tonalidades uniformes, pues no se hacían gradaciones de color ni medios
tonos. Otra convención de la pintura del antiguo Egipto fue el tipo de color: la piel de los hombres era oscura, ocre,
mientras que en las mujeres era más clara, ocre claro; Osiris se representaba con el color de piel verde; el oro o
su color simbolizaban al Sol, etc.
En los temas ceremoniales, representativos, o en las imágenes del difunto impera el canon de perfil, pero en la
época de Amarna, o en los temas de animales, como las famosas "ocas de Meidum", se permiten gran libertad
expresiva. Como elementos o motivos de ornamentación, en cualquiera de las referidas composiciones,
estuvieron siempre en boga y son típicas en obras de escultura y pintura egipcias las flores de loto y papiro, las
grecas y los diferentes róleos.
La pintura en el Imperio Antiguo [editar]Durante el Imperio Antiguo no es posible disociar el bajorrelieve de la
pintura ya que comparten los mismos temas con idénticos propósitos: representar la vida cotidiana y la
naturaleza para que ambas puedan ser recreadas en la otra vida en la Duat.
En la Mastaba de Ti (dinastía V, hacia 2450 a. C.) hay diversos bajorrelieves pintados con escenas de trabajos
agrícolas, entre ellos el hombre con una burra y su burrito que porta un fardo, o la escena de un esclavo,
cruzando un vado, que lleva sobre sus hombros un ternero, y como evidencia de realismo en la pintura de
animales, el ternero vuelve su cabeza para llamar a su madre, que marcha detrás.
En las tumbas, los temas representados son esencialmente costumbristas: la preparación de los alimentos, del
pan o de la cerveza, escenas agrícolas, escenas de caza y pesca, etc. Posteriormente se añadirán otros como la
construcción de barcos, la elaboración de joyas, estatuas, tejidos, etc.
La pintura en el Imperio Medio [editar]Las decoraciones pictóricas, sobre papiro o el cartonaje de sus ataúdes,
narraban, por medio de jeroglíficos, diversas leyendas mitológicas e ideas tomadas del ritual funerario y
contenían el retrato del difunto en la zona correspondiente de la cabeza. El ataúd, generalmente de madera, se
elaboraba desde la dinastía XI (siglo XXI a. C.) en forma prismática y, posteriormente, antropoide a fin de
colocar en él, más ajustada, la momia para la cual se hacía, llevando en su exterior decoraciones semejantes a
las de ésta, aunque más profusas.
La pintura en el Imperio Nuevo [editar]Los asuntos de las pinturas murales decorativas de las cámaras
funerarias durante el Imperio Nuevo consistían en relatos mitológicos del Libro de los Muertos y escenas de la
vida cotidiana, sobre todo las que más hubieran de servir para manutención, entretenimiento y solaz del difunto
en la otra vida, según la creencia de los egipcios.
Con el nombre de Libro de los Muertos, o ritual funerario, se designa los rollos de papiro en que estaban escritas
las fórmulas religiosas que les permitieran evitar los peligros de la Duat y alcanzar la inmortalidad. Desde la
dinastía XX (unos doce siglos a. C.) se decoraban con dibujos o miniaturas las copias de este libro y era común
acompañar a la momia recitando algún fragmento de éstas. Los asuntos de tales miniaturas suelen ser
mitológicos y representaciones del juicio de Osiris, figurando el finado y determinados dioses egipcios.
Los referidos usos egipcios y los variados pormenores de su escultura y pintura pueden estudiarse en las
magníficas tumbas del Valle de los Reyes y los grandes museos de Europa y, sobre todo, en el Museo Egipcio de El
Cairo, donde se exponen multitud de objetos.